Umberto Eco, en su libro “Apocalípticos e integrados”, dedica un capítulo entero al análisis y caracterización del mal gusto, relacionado con el Kitsch y la Midcult. El capítulo se llama “Estructura del mal gusto”. La Alta Cultura, propia de estamentos elevados, Media Cultura, acorde con los estamentos de clase media, y Baja Cultura, de la que nacen los estudios de recepción de la cultura popular. Los niveles tienden a fragmentarse por el uso de los medios de comunicación a favor de un nivel cultural que ostenta la sociedad del consumo. Si ubicamos estas clases en el desarrollo del Simposio se pueden detectar las clases Alta (escultores, organizadores) y Baja (uso de las imágenes con fines publicitarios). Se mercadeó el Simposio como actividad y de esa manera se destinó a un público multicultural al que se le sugirió lo que debía desear.

Regresemos al par de esculturas que escogí de acuerdo a un criterio tan básico como mi gusto personal pero sin que este se convierta en el parámetro universal para definir que sean feas. El que un objeto sea bello depende del gusto del receptor y para mi Alas es una pieza hermosa que me inspira a enmarcar el cielo. Quizá es porque la técnica de Tepsan proyecta a escalas monumentales volúmenes que irrumpen el espacio de manera contundente.

Por otro lado, Exposición a la Atmósfera es una escultura que en vez de fea resulta grotesca. No me malentiendan. Este no es un insulto ni es un término que reduce su valor. El investigador Mijail Batjin, citado en el libro La configuración de la experiencia estética, sugiere lo grotesco como algo que se aparta considerablemente de las estéticas corrientes. Esto contiene un elemento material corporal claramente destacado y exagerado. La estética de lo grotesco se convierte entonces en la estética de la monstruosidad, con un desorden grave en la proporción que deben tener las cosas. Aunque visualmente no me sienta complacida al observarla, sí me transmite una sensación desoladora y árida.

Exposición a la Atmósfera es una pieza trabajada en su estado natural que al igual que Alas posee un aura de autenticidad e individualidad. A mi criterio ninguna es arte kitsch porque no toman ningún elemento de la cultura popular para sacarlo de su contexto y masificarlo de la misma manera en que Andy Warhol, uno de los padres de esta corriente, lo realizara hace pocas décadas. Si se hubieran realizado llaveros, pequeñas réplicas plásticas, gorras y cualquier tipo de parafernalia que reprodujera las obras; estas se habrían convertido en un elemento Kitsch. Asimismo, si uno de los escultores hubiera tomado elementos que pasan inadvertidos en la vida cotidiana como frutas artificiales, manteles de plástico, una mini Virgen de Guadalupe e incluso el rostro del Che Guevara para incluirlo en su obra; entonces la escultura sería Arte Kitsch.

3. Es posible esa Teoría de Comunicación Artística de la que habla Salvador Aburto Morales en su folleto.

Claro. Desde el momento en que un artista emprende una obra lo hace porque quiere expresar su perspectiva, sentimientos, ideología, etcétera. Según Morales el arte en su esencia es comunicación, porque compromete a sus interlocutores para asumir la responsabilidad de su trascendencia como seres humanos; obvio será también descubrir con esto, que además es un fenómeno vivencial.

El planteamiento anterior es reforzado por Katya Mandoki en su libro Estética y Comunicación de acción, pasión y seducción. Para ella todo acto de comunicación tiende un puente para llegar a los otros por alguna razón. La estética y la comunicación van íntimamente ligadas en un proceso que pretende seducir al destinatario, engañarlo, protegerlo, agredirlo o persuadirlo para impactar la sensibilidad del interlocutor.

4. El tema para nosotros es al revés como delimitar el Papel del Arte en la producción de piezas de comunicación masiva, para medios impresos y audiovisuales. ¿Qué limites estéticos debe tener la producción de spot de televsión, spot de radio, afiche, vallas, mupis?

El papel del arte en la producción de piezas masivas no puede ser delimitado más que por el estilo y la estética de cada comunicador. Sin embargo, se puede caer en el peligro de querer decir mucho y fallar en el intento o viceversa. Para Mandoki tanto en el arte como en cualquier pieza comunicacional (spot, afiche, vallas) debería regir la Máxima de Relevancia en el Principio de Cooperación propuesta por el filósofo Paul Grice. El principio establece que si se va a decir algo es porque hay un acuerdo tácito de cooperación entre enunciante y destinatario, y que ese algo comunicado es relevante para ambos. Para Grice este principio se basaba en cuatro pilares:

De cantidad: Haz que tu contribución sea tan informativa como sea necesario.

De cualidad: Haz que tu contribución sea verdadera.

De relevancia: Sé pertinente, no digas algo que no viene al caso.

De manera: Sé claro, evita la ambigüedad, sé breve, sé ordenado.

Según Mandoki en la actualidad no todos los artistas respetan esta máxima y de ahí la razón de la decepción ante obras de arte que se exponen en museos y galerías pero que, en realidad, no tienen mucho que decir. El artista que sí las respeta tiene el puente de comunicación y logra transmitir a cabalidad para hacer ver u oír lo que está presente en su sensibilidad. Se alcanza poner al espectador en los zapatos del artista. Este mismo éxito es aplicable a los spots, vallas y otros medios que podrían delimitarse bajo la máxima de Grice y lograrían transmitir a cabalidad el mensaje publicitario.

Este es un ejemplo de una campaña de Unicef para crear conciencia sobre el abuso infantil en Sudáfrica. Para lograrlo creó una serie de piezas en las que muestran juguetes tratando de proteger a los niños que duermen. La imagen es acompañada de un copy claro y pertinente: Si no peleas contra el abuso Infantil, ¿Quién lo hará?

1. ¿Es estética la fotografía de la película?

La fotografía de la película es estética porque transmite una experiencia al espectador. Esta experiencia surge a partir de la contemplación de la película e iniciará un proceso individual particular para cada espectador. De acuerdo con Rafael Gómez Alonso, en su libro Análisis de la imagen, ese proceso de apreciación puede ser positivo o negativo al agradar o desagradar. Esto sucede sin que los objetos visuales, que proyectan determinadas sensaciones en los receptores, dejen de tener una capacidad de atracción. Es por eso que la fotografía realizada por Stuart Dryburgh es estética, ya que cada imagen está compuesta por un conjunto de símbolos que transmiten sentimientos de soledad, tristeza y melancolía que a la vez contrastan con la belleza del paisaje y la pasión de Ada y George.

2. ¿Porque no fue una película de difusión masiva?. ¿Por qué no se vendió por ejemplo como Toy Story 3?

Porque se trata de un género distinto y que no es de consumo popular como Toy Story o las grandes producciones de Hollywood. En Guatemala el público está acostumbrado a medir la calidad de una película de acuerdo a los estándares de Hollywood y a consumir cintas que lo distraigan por unos instantes de su realidad. Además la visión de un romanticismo menos color de rosa y más real no es algo que se acepte por completo en los cines y que la gente esté acostumbrada a observar.

3. ¿Uds. creen que la mercadearon mal o no hicieron una buena campaña de lanzamiento?

La película de Jane Campion ha ganado varios reconocimientos en Australia, la Palma de Oro y recibió también tres premios Oscar a Mejor Actriz, Mejor Actriz de Reparto y Mejor Guión Original. Pero el mercadeo de una película o el lanzamiento es muy relativo porque puede ser que en EEUU sí se haya conocido la cinta pero que en esa época aquí no se haya distribuido y por eso no haya llegado a la gran pantalla guatemalteca. En el sitio IMDB El Piano cuenta con criticas en periódicos importantes de EEUU y de otros países, lo cual refleja que la película recibió atención de parte de los medios en las naciones donde se conoce el trabajo cinematográfico de Campion.

4. ¿Se merecía la película los oscares a Mejor Actriz Principal, Mejor Actriz de Reparto y Mejor fotografía?

Sí. Porque Holly Hunter, en el caso de Mejor Actriz Principal, logra transmitir por medio del lenguaje corporal todo lo que su personaje no puede expresar al ser muda. La desesperación y la pasión son llevadas a otro nivel en el que los códigos corporales y semiológicos se convierten en grandes herramientas para externar el coraje por estar en ese nuevo país o el deseo que ella también sentía hacia George. En el caso de la Mejor Actriz de Reparto y Fotografía, también son merecidos. La fotografía es una herramienta importante que logra recrear el lugar oscuro y misterioso en el que sucede la historia.

5. ¿El vestuario es adecuado a la historia o argumento de la película?

Jane Campion se caracteriza por un trabajo en el que explora el romanticismo y la pasión desde el misterio y el erotismo. Es por ello que en esta ocasión retoma un vestuario de época para embarcarse en un viaje de sensualidad bajo capas de ropa que a la vez representan la opresión que Ava sentía en su nuevo hogar. Poco a poco, mientras avanza la película ella se va liberando y dejando esas capas de ropa para por último entregarse por completo al idilio pasional.

El vestuario también es realista porque no se sobrecarga la expresión dramática, sino que complementa las actuaciones en la historia.

6. Las locaciones (dónde se filmo) fueron las adecuadas.

En la historia Ada y Flora llegan a Nueva Zelanda, siendo abandonadas junto con sus pertenencias por la tripulación del barco en el que han llegado desde Escocia. En esa época ese territorio era inhóspito pero majestuoso. La belleza y riqueza natural del entorno se vuelven grises y oscuras desde la perspectiva de Ada, quien no ve un lugar paradisíaco perfecto para ser colonizado. Ella se encuentra sola con su hija en un matrimonio por conveniencia, que además la ha alejado de todo lo que ella conocía.

7. Esta bien el tema de encuadres, tiros, movimientos de cámaras.

Las tomas de cámaras van de acuerdo al ritmo de la historia y al misticismo que la directora busca transmitir. Nada en la película es demasiado obvio y por eso los movimientos suelen ser lentos, como queriendo revelar un misterio. Las tomas amplias ejemplifican la soledad e impotencia mientras que las cerradas muestran los momentos de intimidad.

8. Es una obra de arte por sus características.

Si se parte de la afirmación de Jan Mukarovsky en el artículo El Arte como Hecho Semiológico, en la que se indica que una obra de arte es al mismo tiempo un signo, una estructura y un valor; El Piano constituye una obra de arte sin reparo alguno. La cinta constituye un código en sí conformado por una estructura estética que transmite diferentes experiencias al espectador. Estas vivencias son independientes para cada una de las personas que observa la cinta y nunca se agotarán. Su mensaje continúa vigente aún después de haber sido estrenada hace 17 años. Es como Romeo y Julieta, La Guerra y la Paz u Orgullo y Prejuicio, que son historias que producen diferentes lecturas de acuerdo al bagaje cultural de cada persona.

9. Por qué le llaman al cine el séptimo arte.

Al cine se le llama séptimo arte porque está listado después de las 6 artes clásicas: La música, la pintura, arquitectura, escultura, danza, escritura y teatro.

10. ¿Qué papel juega la música como el código más importante para el desarrollo del argumento?

El rol de la música en El Piano es fundamental porque para la protagonista se convierte en la única manera en que puede expresar sus sentimientos. De esa cuenta, las partes más intensas de la cinta son aquellas en que ella deja volar su creatividad para interpretar lo que su espíritu le dicte. Por eso en el desarrollo del argumento la música cumple con una función expresiva para construir el estado de ánimo de la protagonista y transmitirlo al espectador. Además narra la secuencia de acciones en la historia.